ARTE LIVRE

ARTE ABSTRATA

9º ANO

PRÁTICA 3

Desconstruindo o Real (Abstração Geométrica)

Focada na organização, razão e precisão, esta atividade ensina a reduzir o mundo a formas essenciais.

Objetivo

Praticar a simplificação da imagem até que ela perca sua identidade figurativa.

Ação prática

Peça que escolham um objeto cotidiano ou uma paisagem.

Em quatro etapas, eles devem redesenhá-lo:

1. Realista; (1 desenho)

2. Simplificado; (1 desenho)

3. Apenas contornos geométricos; (1 desenho)

4. Composição final usando apenas linhas retas, círculos e cores primárias.

(1 desenho)

Referências visuais

Piet Mondrian

Piet Mondrian (1872-1944) foi um artista holandês e um dos pioneiro da arte abstrata. Ele estava intimamente associado ao movimento "De Stijl", um movimento artístico e de design holandês fundado em princípios de simplicidade e harmonia. Seu estilo característico, caracterizado por uma grade de linhas verticais e horizontais e blocos de cores primárias, tornou-se a marca registrada do movimento. Desenvolveu suas famosas "Composições" usando grades pretas e cores primárias, totalmente abstratas.

O movimento De Stijl (em holandês, "O Estilo") foi um movimento artístico e de vanguarda holandesa fundado em 1917 por Piet Mondrian e Theo van Doesburg. Baseado no Neoplasticismo, que buscava a harmonia universal através de formas geométricas rigorosas (linhas verticais e horizontais), uso de cores primárias (vermelho, azul, amarelo) e neutras, preto, branco ou cinza. Buscando a harmonia universal e o equilíbrio visual. Influenciou profundamente a arte moderna, a arquitetura e o design de mobiliário (purismo e funcionalidade).

A De Stijl e o design modernista

https://youtu.be/-7iyw8Nf4MY?si=qj2QbjGD8wZxncca

Mondrian partiu da natureza para a abstração

Piet Mondrian. Granja. Óleo sobre tela. 42X53cm. 1901.

Piet Mondrian, Willow Grove: impressão de luz e sombra, 1905. Óleo sobre tela. Museu de Arte de Dallas, Dallas, Texas, EUA.

Piet Mondrian. Paysage à travers les arbres au bord du Gein, (1902)

Óleo sobre tela, 53.5 x 63 cm Collection Gemeentemuseum; La Haye.

Piet Mondrian - Noite; Árvore Vermelha, 1908–1910.

Óleo sobre tela, 70 × 99 cm, Kunstmuseum Den Haag, Haia.

Piet Mondrian - Gray Tree, 1911. Óleo sobre tela.

Kunstmuseum Den Haag, Haia.

Piet Mondrian. Blossoming apple tree (macieira em flor). 1912.

Em Macieira em Flor, Piet Mondrian avança em direção ao cubismo e à abstração, distanciando-se da representação realista. Ele prioriza as linhas sobre a cor, utilizando apenas tons sutis de verde, ocre e cinza para sugerir a forma da árvore.

Embora elimine detalhes descritivos para focar no que considera essencial, a obra mantém o lirismo e a suavidade da natureza. O resultado é uma transição marcante onde a impressão natural é adaptada à busca do artista pela abstração pura.

Piet Mondrian - Composição nº 10, 1939–1942.

Óleo sobre tela. Coleção privada.

Piet Mondrian - Nova York, 1942. Óleo sobre tela. 119,3 x 114,2 cm.

Museu Nacional de Arte Moderna, Paris.

Piet Mondrian - Broadway Boogie Woogie, 1942-43.

Óleo sobre tela. 127 × 127 cm. Museu de Arte Moderna, Nova York.

Piet Mondrian, "Azul, vermelho e amarelo"; 1932. Óleo sobre tela.

Kazimir Malevich

Pioneiro do Suprematismo, focado na "pureza" da forma geométrica.

PRÁTICA 4

Releitura abstrata – Do olhar à criação

1. O Conceito

Definição rápida: Releitura não é cópia; é interpretar uma obra sob sua própria perspectiva, mantendo um elo com o original.

Abstração

Explicar que a arte abstrata foca em formas, cores e texturas em vez de objetos reais.

O "Porquê"

Estimular a liberdade criativa e a interpretação emocional.

2. Referências para Inspiração

Apresente (ou projete) estas três abordagens diferentes:

Wassily Kandinsky

O uso de formas geométricas e a relação com a música (ritmo visual).

Jackson Pollock

O expressionismo abstrato e o movimento (técnica do gotejamento).

Tomie Ohtake ou Manabu Mabe

A abstração brasileira com foco em curvas, cores vibrantes, harmonia e equilíbrio.

3. Atividade Prática

Minha Versão do Invisível (25-30min)

O Desafio

Escolher uma obra de um dos artistas acima e criar uma releitura baseada em um dos seguintes métodos:Mudança de Suporte: Se a obra original é pintura, tente fazer a releitura com colagem de revistas.

Tradução Emocional

Se a obra original parece "agitada", tente refazê-la com cores "calmas".

Fragmentação

Escolha apenas um detalhe da obra original e amplie-o para ocupar todo o novo papel.

Materiais Sugeridos

Papel A4 ou A3 (gramatura maior se usar tinta).

Lápis de cor, giz de cera ou guache.

Tesoura e cola para quem optar por colagem.

4. Encerramento e Reflexão

Galeria Rápida

Os alunos estendem os trabalhos na mesa da frente.

Pergunta-chave

"Qual elemento da obra original você decidiu manter e por que ele foi importante para você?"

Dica de Ouro para o 9º Ano

Nessa idade, os artistas costumam ser autocríticos. Reforce que na arte abstrata não existe erro, apenas escolhas estéticas.

Se o traço saiu "torto", pergunte a eles como essa nova linha muda a sensação da imagem.

Fonte

https://www.artmajeur.com/pt/magazine/5-historia-da-arte/piet-mondrian/333178

https://youtu.be/m8yXGj548Zo?si=g29_k8FagAR5wmK_

https://iveteraffa.blogspot.com/2014/09/obras-de-arte-possibilidades-de-criacao.html

https://iveteraffa.blogspot.com/2021/04/obras-de-arte-tomie-ohtake.html

https://art.moderne.utl13.fr/2013/01/cours-du-14-janvier-2013/

https://arthive.com/es/pietmondrian/works/490333~Granja

https://virusdaarte.net/macieira-em-flor-aula-no-101-b/

DESENHO

Turmas: 601 -602 - 603

A LINGUAGEM DA ARTE

PONTO

LINHA

TEXTURA

COR

DESENHO

O desenho é a arte e a técnica de representar formas, ideias e emoções por meio de traços, linhas, pontos, sombreamento (luz e sombra) e ilusão de volume, geralmente sobre uma superfície bidimensional (2D), utilizando-se grafite, carvão, lápis sangüínea, pastel oleoso ou seco, nanquim, tinha e pincel.

O Desenho como "Disegno" (Projeto e Intenção)

O conceito mais fundamental vem do termo italiano "disegno"|disenho|, que une duas ideias em uma só palavra: o traço físico (o sinal gráfico) e o propósito intelectual (o plano ou projeto).

A Gênese do Pensamento: o desenho é considerado a "mãe de todas as artes" porque é onde a ideia abstrata começa a ganhar corpo.

A Escrita do Olhar: diferente da pintura, que lida com a massa e a cor, o desenho foca na estrutura e no limite das coisas.

Abstração da Realidade: ao desenhar, você não copia o mundo, mas seleciona o que é essencial através da linha.

Registro do Gesto: filosoficamente, o desenho é o rastro deixado pelo corpo no espaço, revelando a pulsação e a dúvida do artista.

Resumindo: o desenho é o elo entre o invisível (ideia) e o visível (forma).

Alberto Giacometti. Maçãs. Desenho, 1949.

Elementos da linguagem visual

Os elementos da linguagem visual são os componentes fundamentais para construir imagens e comunicar mensagens, sendo os principais: ponto, linha, forma, cor, textura, espaço e luz/volume.

Esses Elementos da linguagem visual (desenho, gravura, pintura, escultura, arquitetura....) funcionam como o "alfabeto" da arte visual, organizando o olhar do espectador e criando sensações de harmonia, contraste, movimento e profundidade.

Por isso dezemos que na arte não existe certo ou errado, mas sim maneiras mais claras ou menos claras de passar uma informação (sentimento) usando os elementos da linguagem visual.

Ponto

Representação de forma, sua distribuição cria a ilusão de luz e sombra e volume e por isso a forma.

Linha

Sua distribuição também é usada para representação de forma

Forma

A forma é sugerida pela disposição de pontos e linhas no plano.

A partir do ponto, linha e forma podemos criar imagens.

Cor e tom

Cor e tom apresentam diferenças, visto que o primeiro conceito diz respeito ao matiz, ou seja, sua distinção em comparação às demais cores a partir da presença e mistura de outras cores em sua composição, já o tom da cor é relativo à intensidade, azul-claro ou escuro, por exemplo.

Diferença entre cor e tom

Assim, o matiz, uma das propriedades das cores, sendo as outras a saturação e a luminosidade, torna uma cor única, visto que é possível para a maioria das pessoas distinguir o verde do roxo, no entanto, os tons tornam as cores pastéis ou mais densas, dependendo da quantidade de luz ou falta dela.

A diferença entre cor e tom é, assim, o conceito, a definição, visto que enquanto as cores são únicas, sejam elas primárias, secundárias ou terciárias, os tons podem ser diversos para diferenciar essas cores.

A cor atua tanto como um processo criativo/preliminar (esboço) quanto como uma obra finalizada, sendo essencial na comunicação de ideias e conceitos (propaganda e literatura científica: ilustração e gráficos), comunicação visual, arte, engenharia e arquitetura.

Forma

Linhas fechadas ou áreas de cor que separam um espaço. Podem ser geométricas (quadrado, círculo, cilindrico) ou orgânicas (formas da natureza).

Espaço

A área onde o trabalho visual é composto, incluindo o espaço positivo (forma) e negativo (fundo).

Volume

Principais conceitos e elementos do volume

O volume nas artes visuais refere-se à tridimensionalidade da forma, ocupando espaço real ou sugerido através de altura, largura e profundidade.

Elementos-chave incluem a luz/sombra (modelado), planos, linhas diagonais e a relação entre cheios e vazios, criando ilusão de relevo em superfícies 2D ou estrutura física na escultura.

Luz e sombra

A luz e a sombra nos dão a ilusão do volume e sombra são elementos fundamentais nas artes visuais (desenho hiperrealista), utilizados para criar volume, profundidade, realismo e atmosfera em superfícies bidimensionais. A luz destaca e define formas, enquanto a sombra confere tridimensionalidade e drama (técnica do chiaroscuro), transformando desenhos planos em imagens com volume e textura.

Vamos usar como exemplo uma esfera opaca ou um fruto esférico liso

A luz e a sombra em uma esfera opaca criam volume através de um degradê suave (esfumado) que vai do brilho intenso à sombra total. Os elementos chave são: ponto de luz, meio-tom, sombra própria, luz refletida e a sombra projetada. A sombra projetada no chão é mais escura próximo à esfera.

A luz e a sombra num fruto de tomate e a ilusão de volume.

Luz (Foco de Luz)

Define a fonte de iluminação e a direção da cena. A parte do objeto voltada para a luz fica mais clara.

Sombra Própria

Região escura no próprio objeto, oposta à fonte de luz, que define sua forma e volume. É a sobra que o objeto produz em si mesmo.

Sombra Projetada

A sombra que o objeto lança sobre outra superfície (chão ou parede), criando a sensação de espaço e ancoragem.

Luz Refletida

Luz que bate na superfície e volta para a área de sombra do objeto, dando maior realismo.

Técnicas de Aplicação

Esfumado (lápis/carvão), hachuras (linhas cruzadas) e pontilhismo são técnicas para criar graduações de luz e sombra.

Materiais

Lápis de grafite de diferentes durezas (HB a 9B) são usados para criar contrastes e tons de cinza.

Textura

Textura é a qualidade da superfície de uma obra, referindo-se ao aspecto tátil (sensação de toque) ou visual (ilusão de toque) de materiais como tinta, pedra, papel ou tecidos. Ela adiciona tridimensionalidade, realismo, emoção e profundidade, sendo classificada em real (sentida) ou visual (apenas vista).

A textura física, encontradas nos objetos físicos e na natureza em geral, diferencia-se da textura visual por possuir uma qualidade física que pode ser sentida (pelo tato) ao tocarmos uma superfície. A percepção de texturas físicas (liso, áspero, macio, duro, rugoso) ocorre através de receptores táteis especializados localizados na pele (especialmente nas mãos), que é o maior órgão do corpo humano e o principal responsável por “sentir” (perceber) essas propriedades na natureza.

Somestesia (σώμα, soma + αισθησία, esthesia) é a capacidade sensorial que todos temos de receber informações do próprio corpo (interno) e do ambiente (externo) através de receptores distribuídos pela pele, músculos e articulações. Compreende sensações como tato, dor, temperatura, e pressão (sensações somáticas), sendo essencial para a consciência corporal.

O uso específico da textura visual pode impactar a percepção de suavidade ou aspereza transmitida por uma obra de arte.

Por exemplo, superfícies ásperas podem criar um efeito visualmente ativo, enquanto superfícies lisas podem evocar uma sensação visual de tranquilidade. Ambos os tipos de textura podem ser empregados para imbuir um design com um senso de personalidade ou utilizados para criar ênfase, ritmo, contraste e outros efeitos artísticos (WP).

A luz desempenha um papel crucial na percepção da textura física, pois pode influenciar significativamente a forma como uma superfície é vista.

Uma iluminação forte em uma superfície lisa pode obscurecer a legibilidade de uma imagem (desenho, pintura, aquarela ou fotografia), enquanto pode criar contrastes acentuados em uma superfície altamente texturizada, como pedras de rio ou areia.

Textura visual ou textura implícita é a ilusão que podemos passar atraves do desenho e da pintura na qual um objeto ou superfície possua uma textura física. Cada material e cada superfície de suporte tem sua própria textura visual e precisa ser levada em consideração antes de criar uma composição. Assim, materiais como tela e papel aquarela são consideravelmente mais ásperos do que, por exemplo, papel fotográfico de computador, e podem não ser os mais adequados para criar uma textura plana e lisa. Fotografia, desenhos e pinturas utilizam a textura visual tanto para retratar temas de forma realista quanto para permitir interpretação.

A textura nessas mídias é geralmente criada pela repetição de formas e linhas e traços (curvos e retos).

EXEMPLOS DE USO DE TEXTURAS

(1)

Anders Leonard Zorn (18/2/1860 – 22/8/1920)

Anders Leonard Zorn (18/2/1860 – 22/8/1920) foi um artista sueco que alcançou grande sucesso internacional como pintor, escultor e gravador. Sua prática artística é principalmente reconhecida pela utilização de uma paleta restrita, composta por branco de chumbo, amarelo-ocre, vermelhão e preto de marfim. Apesar da limitação cromática, esse conjunto possibilita uma vasta amplitude de misturas e gradações tonais, fator que representa um avanço significativo na técnica do retrato. Além disso, a versatilidade dessa paleta foi estendida aos gêneros de natureza-morta e paisagem. (WP)