ARTE LIVRE: abril 2026

quarta-feira, 15 de abril de 2026

ARTE NO TEMPO

ARTE NO TEMPO

Organizei essa linha do tempo focando na transição do rigor acadêmico para a total liberdade da arte contemporânea.

Aqui está a trajetória dos principais movimentos artísticos

Século XIX: A Quebra da Tradição

Neoclassicismo (Início do XIX): Retorno aos ideais grecorromanos, equilíbrio e temas heróicos.

Artistas: Jacques-Louis David, Jean-Auguste-Dominique Ingres.

Característica: Rigor formal e pinceladas invisíveis.

Romantismo (1800–1850): Ênfase na emoção, no drama e na natureza indomável.

Artistas: Eugène Delacroix, Francisco Goya.

Característica: Subjetividade e dinamismo emocional.

Realismo (1840–1880): Retrato da vida cotidiana e das classes trabalhadoras sem idealização.

Artistas: Gustave Courbet, Jean-François Millet.

Característica: Objetividade social e crueza da realidade.

Simbolismo (1885-1886). O simbolismo surge oficialmente na França, por volta de 1885-1886, com a publicação do manifesto de Jean Moréas. Ele aparece como uma reação direta ao materialismo da sociedade industrial e, nas artes visuais, como uma alternativa ao caráter "científico" do Impressionismo.

Breve mapeamento desse movimento:

De quem descende: Ele é um herdeiro direto do Romantismo (pela carga emocional e fascínio pelo mistério) e do Parnasianismo (pela busca do rigor estético), mas também se inspira na crueza sombria de artistas anteriores, como Goya.

Para quem dá origem: Ele é o grande precursor do Surrealismo (ao explorar o subconsciente) e do Expressionismo (ao distorcer a realidade em favor da emoção). Também deixou marcas profundas no Art Nouveau.

Características Distintivas

Subjetividade e Hermetismo: A obra não deve ser lida literalmente; ela é um enigma. O artista usa símbolos para expressar ideias abstratas, sonhos e estados de alma, muitas vezes carregados de misticismo e melancolia.

Fantasismo Anti-Naturalista: Diferente dos realistas, os simbolistas rejeitam o mundo visível. Eles buscam a "ideia" por trás da forma, preferindo temas bíblicos, mitológicos ou puramente imaginários.

Dois Artistas Fundadores

Gustave Moreau: Conhecido por suas pinturas detalhadas e luxuosas de temas exóticos e mitológicos, que parecem saídas de um sonho febril.

Odilon Redon: Famoso por suas "noires" (obras em preto e branco) e visões fantásticas que exploravam o bizarro e o psíquico muito antes da psicanálise.

Impressionismo (1870–1890): Registro da luz e do momento efêmero.

Artistas: Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir.

Característica: Pinceladas soltas e captura da luz solar.

Pós-Impressionismo (1880–1905): Uso simbólico da cor e estrutura geométrica.

Artistas: Vincent van Gogh, Paul Cézanne.

Característica: Expressividade pessoal e distorção da forma.

Século XX: As Vanguardas e a Modernidade

Fauvismo (1904–1908): Cores vibrantes e arbitrárias, independentes da realidade.

Artistas: Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck.

Característica: Cores puras e não-naturalistas; e pinceladas soltas e gestuais; simplificação das formas; impacto visual agressivo.

Descendência: Influencia o expressionismo e, via Matisse, a pintura decorativa moderna.

Expressionismo (1905, Die Brücke)

Características: Distorção emotiva da realidade; cores dissonantes e subjetivas; temas de angústia, solidão e crítica social.

Artistas: Edvard Munch (precursor), Ernst Ludwig Kirchner, Egon Schiele.

Descendência: Abstrato e neo-expressionismo (Basquiat, Kiefer).

O Abstracionismo (1910). O abstracionismo não surge de um estalo único, mas se consolida formalmente por volta de 1910. Ele marca o momento em que a arte deixa de representar o mundo visível (objetos, pessoas, paisagens) para focar puramente em cores, linhas e formas.

As correntes que descendem ou se ramificam dele são divididas em duas grandes vertentes:

Abstração Informal (ou Lírica): Focada na emoção, no instinto e no gesto livre.

Descendentes: Expressionismo Abstrato, Tachismo e Informismo (informalismo).

Abstração Geométrica: Focada na racionalidade, na ordem matemática e na estrutura.

Descendentes: Suprematismo, Neoplasticismo (De Stijl), Concretismo e Minimalismo.

Três artistas fundamentais em ordem cronológica de suas contribuições:

Wassily Kandinsky (1910): Considerado o pioneiro. Ele pintou a primeira aquarela abstrata, acreditando que a arte deveria ser como a música: uma expressão espiritual que não precisa imitar a natureza. Sua contribuição foi a libertação da cor e da forma.

Kazimir Malevich (1915): Fundador do Suprematismo. Levou a abstração ao limite radical com obras como o "Quadrado Preto sobre Fundo Branco". Sua contribuição foi a busca pela sensibilidade pura através da geometria simplificada ao máximo.

Piet Mondrian (1920): Líder do Neoplasticismo. Ele buscou uma linguagem universal usando apenas cores primárias e linhas retas pretas. Sua contribuição foi a racionalização estética, reduzindo a imagem a uma estrutura de equilíbrio absoluto.

Cubismo (1907–1914): Fragmentação do objeto e visualização de múltiplos ângulos. (1907, Les Demoiselles d’Avignon).

Artistas: Pablo Picasso, Georges Braque.

Característica: Geometrização e fim da perspectiva tradicional; Fragmentação geométrica da forma; múltiplas perspectivas simultâneas; paleta reduzida (fase analítica).

Artistas: Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris.

Descendência: Origina orfismo, purismo, futurismo, construtivismo e vorticismo.

Purismo (1918, após o cubismo)

· Características: Formas claras, precisas e universais; rejeição do decorativo; ideal de máquina bem projetada.

· Artistas: Amédée Ozenfant, Charles-Édouard Jeanneret (Le Corbusier), Fernand Léger (aproximado).

· Descendência: Inspira a estética industrial e o design moderno.

Orfismo (1912)

Características: Abstinência lírica e colorida; discos de cor simultâneos; ritmos luminosos derivados do cubismo.

Artistas: Robert Delaunay, Sonia Delaunay, František Kupka.

Descendência: Prepara o abstracionismo geométrico e a arte cinética.

Futurismo (1909 - 1916 manifesto)

Manifesto escrito pelo poeta e editor italiano Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944). Publicado em 20 de fevereiro de 1909 no jornal francês Le Figaro, o documento oficializou o futurismo, exaltando a velocidade, a máquina, a tecnologia, a juventude e a violência, ao mesmo tempo em que rejeitava o passado e o academicismo artístico

Características:

Exaltação da máquina, da velocidade e do progresso tecnológico.

Exaltação da velocidade, máquina e guerra; dinamismo visual; simultaneidade e linhas de força.

Artistas: Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Gino Severini.

Descendência: Influencia o vorticismo, construtivismo e dadá.

Vorticismo (1914)

Características: Abstração angular e agressiva; celebração da energia da era da máquina; rejeição do sentimentalismo.

Artistas: Wyndham Lewis, David Bomberg, Henri Gaudier-Brzeska.

Descendência: Precede o construtivismo inglês e o hard-edge.

Expressonismo Alemão (1905–1933):

Expressão de sentimentos internos e angústias existenciais.

Artistas: Edvard Munch, Ernst Ludwig Kirchner.

Característica: Distorção da realidade para transmitir emoção.

Suprematismo (1915) e De Stijl (1917)

Formas geométricas puras (quadrado, círculo, cruz); fundo branco; ausência de função social imediata.

Artistas: Kazimir Malevich, Olga Rozanova, El Lissitzky (transição).

De Stijl: Linhas horizontais/verticais; cores primárias + preto/branco; utopia da harmonia universal.

Artistas: Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Gerrit Rietveld.

Descendência: Ambos desaguam no minimalismo e na arte concreta.

Construtivismo (1921, na Rússia)

Características: Arte como construção prática; materiais industriais; engajamento social e funcionalismo.

Artistas: Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova.

Descendência: Origina o design gráfico moderno, o cinetismo e influencia o construtivismo tcheco.

Dadaísmo (1916–1923): Anti-arte, deboche e negação da lógica burguesa.

Artistas: Marcel Duchamp, Francis Picabia.

Característica: Nihilismo e uso do "Ready-made" (objetos prontos).

Surrealismo (1924–1966): Exploração do inconsciente, dos sonhos e do absurdo.

Artistas: Salvador Dalí, René Magritte.

Característica: Ilogismo e imagens oníricas.

Expressionismo Abstrato (1940–1950): A pintura como registro do gesto físico do artista.

Artistas: Jackson Pollock, Mark Rothko.

Característica: Espontaneidade e ausência de figuração.

Expressionismo Abstrato (1946, EUA)

Características: Gestualismo e escala heroica; ação e espontaneidade (action painting); campos de cor (color field).

Artistas: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko.

Descendência: Gera o minimalismo (reação) e a arte processual.

Arte Cinética (1955, exposição "Le Mouvement")

Características: Movimento real ou virtual; participação do espectador; luz e ilusão de ótica.

Artistas: Victor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Alexander Calder (precursor).

Descendência: Alimenta a arte op e a arte tecnológica.

Pop Art (meados dos anos 1950, 1950–1970 auge 1962): Apropriação de ícones da cultura de massa e publicidade.

Artistas: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Richard Hamilton.

Característica: Crítica ao consumo através da estética industrial. Imagens da cultura de massa; repetição e serialidade; ironia sobre o consumismo.

Op Art ou Arte Op: (1965, exposição "The Responsive Eye") Ilusão de movimento e vibração ótica; padrões geométricos rigorosos.

Artistas: Bridget Riley, Victor Vasarely, Julio Le Parc.

Descendência: Pop → apropriação (Sherrie Levine, Koons); Op → digital e cinético.

Minimalismo (meados dos anos 1960–1970): Redução da obra aos seus elementos essenciais e geométricos.

Característica: Simplicidade extrema e objetividade.

Redução a formas geométricas elementares; uso industrial; ausência de expressividade ou narrativa.

Artistas: Donald Judd, Carl Andre, Dan Flavin, Sol LeWitt.

Descendência: Gera a arte pós-minimalista e o processo.

Arte Conceitual (meados dos anos 1960, consagrada com "When Attitudes Become Form" 1969).

A ideia ou o conceito é mais importante que o objeto estético final.

Artistas: Joseph Kosuth, Sol LeWitt (também minimalista conceitual), Marcel Duchamp (precursor). Marina Abramović.

Característica: Predomínio do pensamento sobre a forma física; A ideia prevalece sobre o objeto; documentação e linguagem como meio; crítica às instituições.

Descendência: Arte relacional, arte de arquivo, pós-internet.

ARTE AFRO-BRASILIERA 2

ARTE AFRO-BRASILEIRA 2

9º ANO

Arte Afro-Brasileira: Identidade e Resistência

Tema

A arte como ferramenta de reconstrução histórica e afirmação social.

Habilidades

Pesquisar e analisar diferentes estilos visuais;

Discutir a importância da participação da população negra na formação social do Brasil.

Duração: 8 aulas

1. Introdução

O Que é Arte Afro-Brasileira?

Inicie questionando: "A arte afro-brasileira é apenas sobre religião ou passado?".

Explique que ela abrange três enfoques: histórico (ex: o Barroco), religioso (Candomblé e Umbanda) e cultural/contemporâneo (música, moda, grafite).

Destaque que esta arte é um ato de "reexistência", transformando memórias em visibilidade política e social.

2. Artistas de Referência

Artistas que moldaram a cena brasileira

Maria Auxiliadora (1935-1974)

Artista autodidata que retratou o cotidiano e a religiosidade com técnicas inovadoras, incluindo o uso de seu próprio cabelo em telas.

Maria Auxiliadora da Silva (Campo Belo, 24 de maio de 1935-38 – São Paulo, 20 de agosto de 1974) foi uma pintora e artista autodidata brasileira Costa (2024).

Segundo Costa (2024) foi uma mulher negra, periférica, mineira e artista brasileira autodidata. Maria Auxiliadora da Silva, ou apenas Maria Auxiliadora, é uma figura marcante para a arte brasileira. Ela nasceu em Campo Belo, Minas Gerais, em 15 de Maio de 1938, mas se mudou para São Paulo ainda criança. Maria Auxiliadora cresceu em uma família de trabalhadores e artistas autodidatas, militantes do movimento negro, sua avó fora escrava, sua mãe embora não seja artista, incentiva os filhos a criarem. Alguns de seus irmãos também eram artistas, como João Candido da Silva e tal imersão desde cedo em um ambiente criativo impulsionou suas experimentações.

Maria Auxiliadora conquistou reconhecimento nacional e internacional com suas obras que retratam cenas da vida doméstica e rural, religiões afro-brasileiras, danças, festas, carnaval, temáticas populares brasileiras e aspectos da vida urbana e cotidiana em comunidades da cidade de São Paulo, como por exemplo os bairros Brasilândia e Casa Verde. Realizou ainda autorretratos, principalmente perante a proximidade da morte por câncer em 1974, retratando sua batalha com a doença. Ainda criança aprendeu a bordar com a mãe e desenhar com carvão, guache e tinta a óleo, mas aos 12 anos parou de estudar para ajudar a família e começou a trabalhar como bordadeira. Atuou como empregada doméstica durante um longo período de sua vida, mas sem nunca deixar sua paixão, pintava nas horas vagas e apresentava suas obras em locais públicos, como nas feiras de Embu das Artes e nos circuitos artísticos, que aconteciam na Praça da República, em São Paulo. No entanto, apenas aos 32 anos ela conseguiu se dedicar exclusivamente à sua maior aptidão, a pintura.

A artista mineira contrariava todas as expectativas sobre o papel de uma mulher negra na época, reinventando o conceito de arte se descolando dos preceitos acadêmicos e modernistas. Suas obras eram autênticas, populares e vibrantes.

Maria Auxiliadora pintava como se bordasse tecido. Utilizava-se de muita textura e é o marcante uso de cores brilhantes e relevos sobre a tela. Ela criou suas obras a partir de uma técnica própria que desenhou, que se tornou sua assinatura: uma mistura de tinta a óleo, massa plástica e mechas do seu cabelo para construir relevos na tela.

Alecsandra Matias de Oliveira, Doutora em Artes Visuais e professora da Escola de Comunicações e Artes da USP comentou sobre a expressão única da pintora mineira. "Alguns críticos de arte a classificam como figura relevante, sendo intitulada como artista marginal, primitivista, naif, por produzir de maneira autodidata. Contudo, ela fez uma revolução silenciosa ao assimilar valores culturais próprios à sua condição de mulher, negra e brasileira".Costa (2024)

Maria Auxiliadora provém de uma família de 18 irmãos, muitos dos quais artistas que expuseram seus trabalhos em feiras populares no Embu das Artes e na Praça da República, em São Paulo. Pertencem a família Silva o desenhista e pintor Sebastião Candido da Silva (1929 - 2016), o escultor Vicente Paulo da Silva (1930-1980); o artesão e pintor Benedito da Silva (1953-1998); o desenhista, o pintor e escultor João Cândido da Silva (1933) e sua esposa, a pintora Ilza Jacob da Silva (1946); a pintora Conceição Aparecida Silva (1938); a poeta Natália Natalice da Silva (1948); a pintora e criadora de bonecos Georgina Penha da Silva, mais conhecida por Gina (1949); e a contadora de histórias Efigênia Rosário da Silva (1937). A matriarca, Maria Trindade de Almeida Silva (1909-1991) era escultora, pintora, poetisa e bordadeira, e o pai, José Cândido da Silva, um trabalhador braçal de estrada de ferro, tocava acordeão.(1)

Heitor dos Prazeres (1889-1966)

Heitor dos prazeres (1889-1966)

Heitor dos Prazeres

Heitor dos Prazeres (Brasil, 1889-1966) foi pintor, músico compositor e marceneiro. Inicia-se na pintura por volta de 1937, como autodidata, estimulado pelo jornalista e desenhista Carlos Cavalcanti. Participou e foi premiado na 1ª Bienal Internacional de São Paulo. É homenageado com sala especial na 2ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1953. Tornou-se um artista destacado, atuando como compositor, instrumentista e letrista de música popular brasileira. Participou da fundação das primeiras escolas de samba cariocas, entre elas a Estação Primeira de Mangueira. Suas obras estão em coleções de importantes museus brasileiros e internacionais. Viveu no Rio de Janeiro, Brasil.(bienalmercosul)

Artistas Contemporâneos

Antonio Obá, que explora o Corpo negro e história sacra.

Antonio Obá (Ceilândia, 1982) é um renomado artista contemporâneo brasileiro cujas pinturas, esculturas e performances investigam a identidade afro-brasileira, religiosidade, sexualidade e raça. Sua obra ressignifica traumas históricos e símbolos religiosos com elementos poéticos e eróticos, tornando-o um dos principais nomes da arte brasileira atual.

Nascido em 1982, Antonio Obá possui licenciatura em artes pela Faculdade Dulcina de Moraes. Já participou de exposições em Brasília e no Rio de Janeiro. Suas obras de arte relacionam símbolos religiosos, questões raciais e política.

Entre seus trabalhos mais conhecidos está a performance “Atos da Transfiguração”, em que ele esfrega uma estátua que representa a Nossa Senhora Aparecida, negra, até que ela se torne completamente branca. Trata-se de uma crítica ao racismo velado no Brasil.

Antônio Obá (1982- )

Antônio Obá (1982- ) performance.

Antônio Obá (1982- )

Antônio Obá, breve entrevista.

https://youtu.be/LZVY2xehjiQ?si=Sif-iRSZ1I1kxDvX

Antônio Obá. Fata Morgana. Óleo sobre tela.

Na obra intitulada “Fata Morgana” o artista parte de uma longa pesquisa ligadas à água na qual ele explora tanto seu significado universal de renovação de vida. Mas ele também lembra constantemente do episódio “Negros na Piscina” – propondo, assim um duelo de tensões. Comenta, ainda, sobre o translado Atlântico que foi e é passagem, mas também jazigo de corpos naufragados no mar, o que transforma esse oceano num grande cemitério. Ele pinta uma criança prestes a tocar as águas dessa piscina, como uma libélula, um elemento que simbolicamente está relacionado à quebra de ilusões e inauguração de novas fases. No canto direito, não à toa, um barquinho aparece tombado, esquecido – enquanto a figura se lança num voo lúdico. (arte)

Antônio Obá. Tocaia. Óleo sobre tela.

Nesta pintura Antonio Obá propõe um jogo dúbio para falar sobre uma condição de irreverência, de não se reverenciar a um histórico de exploração. O jogo é, aqui, representado por uma caça – a criança se doa para uma pomba branca que bica a ferida oferecida. Trata-se de um ato de sacrifício, mas, ao mesmo tempo, essa ferida pode ser uma isca, uma armadilha. “Quem é, aqui, caça e caçador?”, indaga o artista. A cena evidencia uma condição de sobrevivência: uma necessidade de burlar para garantir uma existência. Capoeira, por exemplo, é uma luta de resistência, uma forma de defesa forjada como uma dança. A ideia do sincretismo também representa essa estratégia de sobrevivência, pois os povo africanos que vieram escravizados para o Brasil usaram as imagens católicas como uma artimanha para relembrar seus orixás. (arte)

Antônio Obá. At the gates of paradise. 2020. Óleo sobre tela.

A obra cria uma menção ao extinto Paradise Park (Flórida, EUA), que, à época segregacionista foi considerado como um refúgio para o entretenimento da população negra. O curioso nesse dado é que o parque foi criado justamente para apartar negros de brancos e, no entanto, vira, segundo relatos da época, um espaço de liberdade e celebrações, tanto que às margens da conquista de direitos civis, sendo o parque desativado, muitos lamentaram a perda de um lugar que, a essas alturas, se tornara um símbolo nostálgico de resistência. No entanto, vive a lembrança, figurada nas duas mulheres (espectros?) que guardam as portas do Paraíso. Evidenciando ainda mais essa vigilância, um Quero-quero, pássaro muito comum no centro-oeste brasileiro, conhecido por sua bravura em guardar e proteger seu ninho, atacando os transeuntes mais desavisados. A pintura elástica, assim, uma narrativa que parte desse local estrangeiro, mas encontra raízes num território familiar ao artista que, apesar de buscar imagens da época do referido parque, ambiente o mesmo com o céu e as cores da vegetação de um cerrado que lhe é tão íntimo refúgio.

Antônio Obá. Angelus. Óleo sobre tela.

Para falar sobre uma relação ciclica de morte e vida, Obá retoma a imagem de um incêndio que aconteceu em Boston, quando duas crianças caíram de uma escada de incêndio, a primeira morreu, mas acabou salvando a vida da sobrinha que caiu em seguida, sobre ela, por amortecer a sua queda. No centro da tela, o artista faz sua versão da clássica Pietà, uma figura ampara outra recostada a uma árvore – elemento de renovação da vida. No lado direito da tela, ele pinta crianças voando como se tivessem saído de uma fogueira. O artista representa o fogo, aqui, para falar sobre “consumação e elevação da vida”. A chama e a fumaça simbolizam, portanto, a possibilidade de transcendência.

Antônio Obá. Banhistas N3 - Espreita. Óleo sobre tela.

Era 1964 quando Martin Luther King foi preso por tentar almoçar numa área segregada no restaurante do hotel Monson Motor Lodge, na Flórida. Poucos dias depois, em clima de pacifico protesto, ativistas negros e brancos invadiram o hotel e pularam na piscina. Para o gerente do hotel, James Brock, aquela cena no espaço exclusivo para brancos devia ser imediatamente interrompida. Ele não pensou duas vezes e pegou uma garrafa de ácido clorídrico, usado para limpar azulejos, e jogou na água para forçar a saída dos manifestantes.Os ativistas foram presos, mas a repercussão do protesto foi tão grande que, no dia seguinte, o Senado estadunidense aprovou a Lei dos Direitos Civis que acabou com a legalidade da segregação racial em locais públicos e privados. Esta é uma das muitas telas que Obá faz referência ao episódio. Aqui, o artista representa 3 figuras humanas e um crocodilo na água convivendo de uma forma aparentemente pacifica. As figuras humanas, no entanto, parecem estar a espera de um ataque: somente os olhos estão do lado de fora, enquanto se aproximam da presa sorrateiramente. Há, aqui novamente, uma situação de lazer e ludicidade, mas também uma situação de risco e caça. A rampa aparece como uma oferta de caminho para o espectador a entrar na piscina. (arte)

Antônio Obá. Variação sobre Sankofa – Quem toma as rédeas abre caminhos.

Óleo sobre tela.

Na obra Variação sobre Sankofa, Obá partiu de uma imagem dos anos 1950 para criar a cena desta mulher que parece contemplar o horizonte, no entardecer. Ela aparece com cordas na mão como se ela tivesse desfeito um laço, abrindo a passagem para um caminho que até então não tinha sido explorado. O nó vira rédeas, que ela toma e controla, guiando as pessoas que estão atrás dela. (arte).

Antonio Obá, “Figura adâmica Wuso owoti a nea aka no ye”, 2025.

(Fonte: artequeacontece)

Antônio Obá. Desdobramentos em Sankofa, 2021. Óleo sobre tela

(50 × 50 cm).

Antônio Obá. Instalação, detalhe da obra "Revoada". 2023.

Em Revoada, Antonio Obá desenvolveu um trabalho em diálogo com o edifício e a história do novo museu, que foi uma instituição de ensino construída nos anos 1950 e atribuída a Ramos de Azevedo, engenheiro e arquiteto responsável pelos projetos, entre outros, do Teatro Municipal e da própria Pinacoteca do Estado. Na instalação, mãos suspensas, moldadas com silicone nos corpos de crianças e jovens que frequentaram as oficinas na Ocupação 9 de Julho do MSTC e no ateliê da Pinacoteca Contemporânea, entre março e abril de 2023, e depois forjadas em gesso branco, evocam, segundo ele, “mãos livres em pleno voo; mãos – o próprio ideal de sustento e liberdade presentes no ofício ao qual se dedicam. Mãos antes acorrentadas, hoje quase sem peso ou pesar, mas cientes de todos os traumas, como um ex-voto.

https://youtu.be/hAhaQECzmJE?si=MlkWjLqOdDd73Onu

Principais Temas e Características da obra de Antônio Obá

Corpo e Ancestralidade: O corpo é central, explorando a negritude, o desejo e a vivência de experiências afro-brasileiras.

Religião e Sincretismo: Obá utiliza iconografia cristã e afro-brasileira (como orixás) para tensionar construções culturais, com obras que remetem a santos e rituais.

Crítica Social: Aborda temas como racismo, eugenia, violência e a construção da história nacional.

Obras e Exposições de Destaque

Revoada (2023): Exposição individual marcante na Pinacoteca de São Paulo, focada na memória e educação.

Crianças suspensas (2022): Obra que evoca a relação entre infância, sacrifício e resistência.

Strange Fruit (2018): Série que aborda a violência racial através de elementos poéticos.

Finca-Pé (2024): Esculturas em bronze e instalações focadas na relação com a terra e ancestralidade.

Com trabalhos em coleções de prestígio como a Tate Modern e a Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Obá é reconhecido internacionalmente por transformar memória e dor em um "exercício de liberdade".

Rafael Pereira (1986 - )

Rafael Pereira nasceu em 1986, em São Paulo, é um artista visual contemporâneo, autodidata, que se destaca por sua produção pictórica focada na valorização da negritude e da ancestralidade afro-brasileira. Sua obra frequentemente revisita gêneros clássicos da pintura ocidental, como o retrato, para subverter o apagamento histórico de corpos negros.

As principais características e Temas de suas obras são:

Identidade e Memória: O trabalho do artista é descrito como um exercício de "refazimento da memória", criando fisionomias que dialogam com o passado e imaginam futuros para a população negra.

Estética, temática e técnica: Utiliza predominantemente tinta a óleo sobre tela, mas também trabalha com bastão oleoso sobre papel preparado.

Sua produção é reconhecida pelo uso de cores vibrantes que definem a ambiência das cenas, muitas vezes inspiradas pela natureza e por figuras históricas ou místicas do universo negro.

A arte de Rafael Pereira exalta e ressignifica a ancestralidade afrodiaspórica que constitui parte majoritária da sociedade e da formação cultural brasileira. O papel do negro em todos os domínios da história e o estigma do preconceito.

Influências: Sua pesquisa envolve vivências em viagens pelo Brasil e uma conexão profunda com o cotidiano e a natureza.

Este artista brasileiro contemporâneo apresenta uma obra marcada pelo diálogo entre a pintura modernista e a valorização da ancestralidade afro-brasileira. Residente em Caraguatatuba, no litoral norte de São Paulo, o artista utiliza memórias afetivas e a pesquisa cromática para construir figuras que celebram a altivez da negritude.

O artista é representado pela Galeria Estação, em São Paulo, espaço conhecido por integrar artistas autodidatas e contemporâneos ao circuito artístico erudito.

Primeira Individual (2023): Intitulada Lapidar Imagens, a mostra apresentou 20 pinturas que exploravam o retrato e a figuração sob uma ótica de autoconhecimento e migrações.

Residência Artística (2025): Integrou o programa de residência no Sertão Negro Ateliê e Escola (https://www.instagram.com/reel/DH9qjF6typg/), em Goiânia, um importante polo de fomento à arte afro-diaspórica fundado pelo artista Dalton Paula.

Exposição Recente (2026): A mostra [A Cabeça de Zumbi](https://www.sp-arte.com/exposicoes/rafael-pereira-a-cabeca-de-zumbi) marcou sua segunda individual, aprofundando temas de resistência e ancestralidade por meio de séries inéditas como Nbimda.

Rafael Pereira (1986 -)

Rafael Pereira, óleo sobre tela, (foto: Joao-Liberato)

Santídio Pereira (1996-)

Santíido Pereira com matrizes de xilogravura

Nasceu em 1996 na cidade de Isaías Coelho, no Piauí, Santídio Pereira vive e trabalha em São Paulo. Estudou História da Arte com o crítico e curador Rodrigo Naves, e é graduado em Artes Visuais pela Fundação Armando Álvares Penteado, em São Paulo.

https://youtu.be/VLzfsCJ4URA?si=c1qDwPrm6fO6Y866

A trajetória de Santídio Pereira tem sido permeada pela experimentação e estudo constante sobre os preceitos artísticos, impulsionando um desejo de criação e inovação dos padrões pré-estabelecidos, tanto no aspecto formal, quanto conceitual das linguagens artísticas. Seu trabalho já foi exibido em instituições brasileiras como Fundação Iberê Camargo (Porto Alegre), Centro Cultural São Paulo, Paço das Artes, MuBE – Museu Brasileiro da Escultura e Ecologia, e MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo (todos em São Paulo) em exposições de espaços e instituições internacionais como a Galería Xippas (Punta del Este, Uruguay), b[x] Gallery (Nova York, EUA), Bortolami Gallery (Nova York, EUA), Fondation Cartier pour l’Art Contemporain – Triennale di Milano (Milão, Itália) Fondation Cartier pour l’Art Contemporain (Paris, França), Power Station of Art (Xangai, China), dentre outros. Seu trabalho integra coleções importantes, como Pinacoteca do Estado de São Paulo (Brasil), Coleção Cisneros (EUA), Acervo Sesc de Artes (Brasil), Museu de Arte do Rio – MAR (Brasil) e Fondation Cartier pour l’Art Contemporain (França). Santídio Pereira também foi contemplado com o Prêmio Piza (2021, Paris, França), além de ter participado da AnnexB Residência Artística (2019, Nova York, EUA).(bolsadearte)

Graffiti

Diego Mouro (1988-)

Diego Mouro, seus graffitis enfatizam a memória, o afeto, a ancestralidade e a sensibilidade.

https://youtu.be/lOLSC5BJFGc?si=yScdJQeUMiyFV4H0

Diego Mouro (1988-)

Diego Mouro nasceu em São Bernardo do Campo em 1988; é um artista autodidata, sua prática transita entre a pintura à óleo e o muralismo contemporâneo, investigando a formação e as estratégias de resistência da cultura afro-diaspórica no Brasil. Mobilizado pela dimensão espiritual das sensibilidades negras em seus vestígios, práticas e saberes rituais, Mouro já teve o trabalho exposto no Brasil, França, México e África do Sul. A gestualidade, em seu trabalho, opera como vetor brincante entre o pictórico e suas fronteiras: a passagem do tempo, as noções de envelhecimento, de perda, e também do que resiste a essa passagem, são atravessadas pelas pinceladas. Mouro também reivindica, como pessoa negra, o direito a não tratar apenas de sua negritude: ao criar a série sobre flores, tema bastante frequente na história da arte branca, o artista adentra a disputa pelo direito a uma subjetividade que não seja rotulada a partir de sua raça, mas que a atravesse e transcenda.

Diego Mouro. “É andar devagarinho”, 2024, óleo sobre tela, 100 × 140 cm

Diego Mouro.“sá Rainha”, 2024, óleo sobre tela, 100 × 140 cm.

(imagens do site premiopipa).

Diego Mouro. “sá Rainha”, 2024, óleo sobre tela, 100 × 140 cm

Diego Mouro vive e trabalha em São Paulo, capital. Seu trabalho ressalta os corpos negros, desconstruindo a estrutura racista onde esses corpos são exotizados e hiperssexualizados. Para ele, é preciso normalizar o afeto entre homens negros, pela necessidade de um povo se fortalecer assim em qualquer tempo.

Diego Mouro. Obra sem título. Graffiti. Rua São Paulo, 249 - Centro, Belo Horizonte - MG, Brasil.

Diego Mouro. Murais.

No mural do CURA, Diego busca trocas afetuosas que vão compondo o trabalho. A começar pela escolha da foto a ser pintada, do fotógrafo Fabio Setti, por quem tem grande admiração. Outra ação nesse sentido foi a proposta que fez em suas redes sociais para riscar o esboço no prédio: pediu que seus seguidores enviassem nomes de homens pretos por quem tivessem afeto. Diego escreveu todos esses nomes no prédio antes de desenhar propriamente, uma forma de homenagem e honra das raízes.(arteforadomuseu)

3. Atividade Prática

Mural de Reexistências

Os alunos deverão criar uma composição visual (colagem ou desenho) que conecte um elemento da cultura afro-brasileira ao seu próprio cotidiano.

Materiais

Revistas, tintas, papéis coloridos e materiais recicláveis.

Objetivo

Aplicar o conceito de "materialidade" usando recursos não convencionais para expressar identidade.

4. Roda de Conversa e Encerramento

Exposição rápida das obras.

Debate sobre como a arte pode combater o silenciamento histórico da população negra no ambiente escolar.

Sugestão de Recurso

Utilizar o Acervo Digital do Museu Afro Brasil para mostrar imagens de alta qualidade das obras citadas.